La Estampa Japonesa y la Belle Époque. De Monet a Hokusai.

 Los que me conocéis sabéis que soy fan de los museos y las exposiciones y, por suerte, en Valladolid, contamos con muy buenos museos y salas de exposiciones. Actualmente hay algunas exposiciones que os quiero presentar y también si tenéis la opción, invitaros a visitarlas.

    En concreto, la que me ha enamorado es "La Estampa Japonesa y la Belle Époque, de Monet a Hokusai". Soy una enamorada de la cultura japonesa desde pequeña. Esto no es ningún secreto. Como tampoco lo es que uno de mis sueños es poder viajar algún día al País del Sol Naciente. Pero mientras tanto me tendré con conformar con leer libros y acudir a exposiciones  ;)

Yvette Guilbert (Touluse-Lautrec, 1894)

     Japón siempre fue un imperio muy recluido en sí mismo, con poco contacto con el exterior pero gracias a la apertura de la era Meiji (1868-1912), Occidente se empezó a enamorar de esa cultura y así lo demuestra que en Francia surgieron tertulias y sociedades  (como la Jing-Lar) volcadas con esta cultura, poniéndose de moda en la pintura, en la escena y hasta en la vida doméstica, pasando, por supuesto, por la estampa japonesa. Ésta consiste en un grabado realizado en planchas de madera e impreso en papel, que requiere como en la litografía, además del artista, de un artesano gráfico para seriar el dibujo y de esa manera hacerlo popular y asequible.

     En esta época, en París se vive una época de intensa actividad artística e intelectual. La Belle Époque no es en sí misma un estilo artístico, sino un período o un estado de ánimo que cobijó a  impresionistas, simbolistas, modernistas, expresionistas... que cayeron rendidos a esta influencia nipona, llegándose a acuñar un término para definir esta admiración: "japonismo".

     Pero del mismo modo, las técnicas occidentales habían calado en los artistas del país nipón; así la técnica del Renacimiento tardío fascinó a pintores de la escuela Ukiyo-e, que no tardaron en adoptarla. Ukiyo tiene muchos significados; uno de ellos es Mundo Flotante. Cuando proliferaron las obras de Ukiyo-e en la época Edo, había un aire de entusiamo y comienzo de paz, tras 100 años de guerras continuas entre los reinos de Japón. Así surgió la burguesía y la industria del entretenimiento de una clase media que demandaba teatro, arte y cultura. A ese contenido de evasión de lo cotidiano, al romance que se practicaba en los burdeles y al drama del Kabuki, se le asignaba la palabra Ukiyo. El añadido "-E" significa "pintura". Ukiyo-e es la pintura del mundo flotante dramático; un mundo donde el gobierno nipón declaró como "sitios no recomendables" justamente aquellos donde el interés de la población se centraba.

Perfumes Mercedes (Jaime Valls, 1918)
Shunga (Okumura  Masanobu, 1764)

Tomikichiro Tokuriki (1923)

      El Kabuki, tan importante como el Ukiyo-e, era uno de los teatros japoneses más destacados del momento. Empezó como un baile ritual de mujeres (Kabuki Odori) y se escenificó en Casas de Té, que también tenían el papel de burdeles. Las mujeres se vestían de forma extravagante y bailaban al son del Shamisen. Estas danzas y teatro evocarían en cierto modo al Moulin Rouge de París, debido a los temas que se trataban. Posteriormente, entraron los hombres de edad madura a actuar. Se llamó Yarou Kabuki (Kabuki de hombres). No fue hasta la época Genroku que se fue formalizando el Kabuki como teatro. El  Ukiyo-e también funcionaba como pancartas comerciales para las funciones de Kabuki o para realizar retratos de los actores más populares llamados Yakusha-e.

     Esta exposición congrega a los artistas más destacados de los "ismos" y de las vanguardias europeas, como Picasso, Toulouse Lautrec, Monet, Van Gogh, Van Dongen... y los reúne con sus colegas japonesas, como Hirosige, Hokusai, Gekko, Keisai, Oda, Utamaro, Yoshitoshi... en un diálogo que tiene como soporte el papel.

Parade (Pablo Picasso, 1917)
Danceuse (Ogata Gekko, 1887)

I Want You For U.S.Army
(J. Montgomery Flagg, 1917)

Claude Monet, 1931.

     Aquí os dejo un vídeo para que disfrutéis de la exposición  pero si podéis ir, no lo dudéis. Os va encantar. La encontraréis hasta el 29 de Agosto es la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión.

     Firmado,

          Una japonista incorregible.

     PD: Toda la información ha sido obtenida de la guía de la exposición.

Coco Chanel y el Arte. Más Allá de la Moda

     Si estás por Valladolid, o estás pensando en hacernos una visita, te recomiendo una visita a la Sala de Exposiciones de la Pasión y disfrutar así de la exposición que hay acerca de Coco Chanel (hasta el 27 de Agosto)

     Nacida como Gabrielle Chanel, es una de las figuras más importantes del siglo pasado. No sólo cambió la moda de su tiempo, sino que a día de hoy su firma, Chanel, sigue siendo sinónimo de moda, calidad y Alta Costura. En esta exposición podemos disfrutar de fotografías de Coco, de algunos de sus diseños (ropa, calzado...) y también obras de otros artistas con los que la gran diseñadora compartió pasiones  y gustos en el París del siglo pasado. Ella no se consideraba una artista y así llegó a afirmar que "la moda no es un arte, es un oficio. Que el arte haga uso de la moda es más que suficiente para la gloria de la moda".

Coco Chanel (Cecil Beaton, 1937)

      Chanel supo relacionarse con los más destacados artistas e intelectuales de su tiempo. Así entabló un amistad duradera y fructífera con José María Sert y su esposa, quienes la llevaron por 1ª vez a Italia, donde descubriría la importancia del arte clásico. Él incluso decoraría su apartamento y su esposa, Misia, fue amiga íntima de la diseñadora hasta su muerte.
     También se relacionaría con Pablo Picasso, de quien admiraba su talento y su personalidad y de quien llegó a afirmar que "amaba su pintura, aunque no la comprendiera en absoluto" y "no sé si es un genio. Es difícil decir de alguien que se conoce que es un genio; pero estoy segura de que forma parte de esa cadena invisible que va uniendo, a través de los siglos, unos genios con otros"
     Con Jean Cocteau, a quien conoció a través de su amiga Misia, mantuvo una fructífera relación. Así cuando éste estrenó su obra Oedipo Rey(1927), el vestuario corrió a cargo de Chanel. Y fue él quien le presentó a Apeles Fenosa, con quien la diseñadora mantendría un idílio, a pesar de la diferencia de edad entre ambos. Testigo de este romance sería el fotógrafo George Hoynigen-Huene, en cuyas fotos vemos a Coco convertida en musa de Fenosa; las fotos de ella en la Rue Cambon con la escultura de él "La Flûtiste", presente en la exposición, y el Hotel Ritz de París, donde Fenosa se instaló gracias a ella.

La Flûtiste (Fenosa)

   

Chanel y "La Flautista" de Fenosa (Cecil Beaton)

      La generosidad de Coco era de sobra conocida en la época: mecenas de Diaghilev, de quien llegó a cubrir los gastos de su entierro en Venecia; financió a Cocteau, a Fenosa y también a Paul Elouard.
   
     En esta exposición también se puede disfrutar de uno de los más celebres retratos de la diseñadora de Man Ray; de quién también  se muestra uno de sus retratos de Salvador Dalí, uno de mis artistas favoritos, con quien Coco pasó 2 semanas en Arcachon (1939), y quien era el único pintor del que poseía un cuadro.

     En Septiembre de 1939, tras la declaración de la Segunda Guerra Mundial, Coco cierra su taller de costura y se recluye en su apartamento de la Rue Cambon, donde pasa largas temporadas con su protegido y vecino, el bailarín Serge Lifar. Tras una relación con un diplomático alemán, se ve obligada a exiliarse en Suiza.  Aunque en 1954 vuelve al trabajo en París y no lo abandonará hasta su muerte, el 10 de Enero de 1971. Y tal como ella afirmó ("todo lo que es moda pasa de moda, el estilo jamás" y "para ser irremplazable, uno debe buscar siempre ser diferente"), Chanel sigue en lo más alto de la moda y sus diseños siguen tan actuales como en el siglo pasado; ese toque diferente es lo que ha hecho de sus diseños algo atemporal y una verdadera obra de arte.

     Fuentes: folleto informativo de la exposición.