La Estampa Japonesa y la Belle Époque. De Monet a Hokusai.

 Los que me conocéis sabéis que soy fan de los museos y las exposiciones y, por suerte, en Valladolid, contamos con muy buenos museos y salas de exposiciones. Actualmente hay algunas exposiciones que os quiero presentar y también si tenéis la opción, invitaros a visitarlas.

    En concreto, la que me ha enamorado es "La Estampa Japonesa y la Belle Époque, de Monet a Hokusai". Soy una enamorada de la cultura japonesa desde pequeña. Esto no es ningún secreto. Como tampoco lo es que uno de mis sueños es poder viajar algún día al País del Sol Naciente. Pero mientras tanto me tendré con conformar con leer libros y acudir a exposiciones  ;)

Yvette Guilbert (Touluse-Lautrec, 1894)

     Japón siempre fue un imperio muy recluido en sí mismo, con poco contacto con el exterior pero gracias a la apertura de la era Meiji (1868-1912), Occidente se empezó a enamorar de esa cultura y así lo demuestra que en Francia surgieron tertulias y sociedades  (como la Jing-Lar) volcadas con esta cultura, poniéndose de moda en la pintura, en la escena y hasta en la vida doméstica, pasando, por supuesto, por la estampa japonesa. Ésta consiste en un grabado realizado en planchas de madera e impreso en papel, que requiere como en la litografía, además del artista, de un artesano gráfico para seriar el dibujo y de esa manera hacerlo popular y asequible.

     En esta época, en París se vive una época de intensa actividad artística e intelectual. La Belle Époque no es en sí misma un estilo artístico, sino un período o un estado de ánimo que cobijó a  impresionistas, simbolistas, modernistas, expresionistas... que cayeron rendidos a esta influencia nipona, llegándose a acuñar un término para definir esta admiración: "japonismo".

     Pero del mismo modo, las técnicas occidentales habían calado en los artistas del país nipón; así la técnica del Renacimiento tardío fascinó a pintores de la escuela Ukiyo-e, que no tardaron en adoptarla. Ukiyo tiene muchos significados; uno de ellos es Mundo Flotante. Cuando proliferaron las obras de Ukiyo-e en la época Edo, había un aire de entusiamo y comienzo de paz, tras 100 años de guerras continuas entre los reinos de Japón. Así surgió la burguesía y la industria del entretenimiento de una clase media que demandaba teatro, arte y cultura. A ese contenido de evasión de lo cotidiano, al romance que se practicaba en los burdeles y al drama del Kabuki, se le asignaba la palabra Ukiyo. El añadido "-E" significa "pintura". Ukiyo-e es la pintura del mundo flotante dramático; un mundo donde el gobierno nipón declaró como "sitios no recomendables" justamente aquellos donde el interés de la población se centraba.

Perfumes Mercedes (Jaime Valls, 1918)
Shunga (Okumura  Masanobu, 1764)

Tomikichiro Tokuriki (1923)

      El Kabuki, tan importante como el Ukiyo-e, era uno de los teatros japoneses más destacados del momento. Empezó como un baile ritual de mujeres (Kabuki Odori) y se escenificó en Casas de Té, que también tenían el papel de burdeles. Las mujeres se vestían de forma extravagante y bailaban al son del Shamisen. Estas danzas y teatro evocarían en cierto modo al Moulin Rouge de París, debido a los temas que se trataban. Posteriormente, entraron los hombres de edad madura a actuar. Se llamó Yarou Kabuki (Kabuki de hombres). No fue hasta la época Genroku que se fue formalizando el Kabuki como teatro. El  Ukiyo-e también funcionaba como pancartas comerciales para las funciones de Kabuki o para realizar retratos de los actores más populares llamados Yakusha-e.

     Esta exposición congrega a los artistas más destacados de los "ismos" y de las vanguardias europeas, como Picasso, Toulouse Lautrec, Monet, Van Gogh, Van Dongen... y los reúne con sus colegas japonesas, como Hirosige, Hokusai, Gekko, Keisai, Oda, Utamaro, Yoshitoshi... en un diálogo que tiene como soporte el papel.

Parade (Pablo Picasso, 1917)
Danceuse (Ogata Gekko, 1887)

I Want You For U.S.Army
(J. Montgomery Flagg, 1917)

Claude Monet, 1931.

     Aquí os dejo un vídeo para que disfrutéis de la exposición  pero si podéis ir, no lo dudéis. Os va encantar. La encontraréis hasta el 29 de Agosto es la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión.

     Firmado,

          Una japonista incorregible.

     PD: Toda la información ha sido obtenida de la guía de la exposición.

Un Dalí Colgado del Brazo

     El amor de Gala y Dalí fue un amor a primera vista. Se conocieron en Cadaqués, allá por 1929, hasta donde viajó Gala con su primer marido, el poeta francés Paul Éluard, y ya nunca se separaron hasta la muerte de ella, en 1982.
     La diferencia de edad entre ambos (11 años) no fue impedimento y Gala no sólo fue su esposa, sino también su musa y su punto de unión con la realidad. Incluso Dalí solía decir que ella fue "la única que le salvó de la locura  y de una muerte temprana". Lo cierto es que su unión fue mucho más allá de la muerte y perdura hasta nuestros días.  Es imposible pensar en uno de ellos, y no pensar en el otro.

     En 1970, el mismo año en que Dalí regalaba a Gala el castillo de Púbol, creó un conjunto de grafías  y símbolos en tinta negra y dorada: 

• G, de Gala: "mujer mitológica, casi divina; mi victoria, mi mujer"
• G con puntas: "Gala, Gradiva, la que sale adelante"
• S, de Salvador: "promesa de amor"
• S con puntas: "el surrealista, el sexo, el caballo de mar, el curvilíneo cuerpo de la sirena,    imagen del amor eterno"
• D, de Dalí: "el genio, D de deseo".
• D dentro de la G: "ojo obsesivo, aspiración creativa, poder del creador, la fuerza de los lazos. Dalí comprendido en Gala"
• Un flor de lis: "la Trinidad: espíritu, cuerpo y alma; puro amor, el reino del amor soberano y absoluto"
• Una corona: "el poder de la soberana, el territorio del amor casi divino"

     Años más tarde, un capricho surgió en la cabeza del artista: plasmar el alfabeto del amor en un bolso que sólo su amada luciese, un bolso monogram hecho para ella y sólo para ella. La Maison Lancel se ofreció a crear este bolso que Gala lució en diversas ocasiones y que pasó a ser parte de los tesoros de la maison. Lo curioso de este bolso no es sólo su estampado, sino también su asa en forma de cadena de bicicleta. Ésta representa dos energías que se mueven en la misma dirección,  clara metáfora del amor entre Dalí y Gala. Uno sin el otro no avanza.
     Además, los bolsillos interiores eran acolchados en recuerdo de la suite del hotel en el que solían hospedarse Gala y Dalí en París. Y para remate, el forro interior era del color de la langosta del "Teléfono Afrodisíaco", inventado por Dalí en 1936.

     El bolso Dalí volvió a renacer con motivo de la retrospectiva  que se celebró en París y que ahora ha llegado hasta Madrid, al Museo Reina Sofía. La colección Daligramme tiene distintas piezas, todas ellas inspiradas en este curioso alfabeto:

• El Dalidol, de edición limitada, de piel de cordero y con el abecedario serigrafiado en tinta china y polvo de oro.

• Modelos de seda y algodón, que tienen los criptogramas realizados a mano por artesanos florentinos.

• El Dalisecret, de cuero labrado.

     ¿No os parecería genial acudir a esta magnífica retrospectiva sobre Dalí con una de sus obras encima? Porque aunque el verdadero bolso Dalí se encuentra en su casa-museo de Figueras, llevar un Lancel sería una buena muestra de respeto y admiración por este gran artista tan genial.
     Si no queréis perderos la obra de este genio del surrealismo, debéis pasaros por el Museo Reina Sofía (desde el 27 de Abril hasta el 2 de Septiembre). Yo no pienso perdérmela ¿Y vosotros?

"Da Vinci. El Genio" La Exposición

     Hoy decidí pasar la tarde en el Centro de Exposiciones Arte Canal, disfrutando de una exposición sobre Da Vinci. Éste es un proyecto generado por el Canal de Isabel II y nace con el objetivo de mostrar al público los aspectos menos conocidos de Leonardo Da Vinci.



     Leonardo representa al auténtico hombre del Renacimiento: científico,inventor, pintor, escultor, músico, matemático, urbanista... No había campo que se le escapase.

     La exposición comienza con una proyección 3D titulada "Leonardo da Vinci. La mirada del genio", que nos permite introducirnos en su mundo, en la manera que él tenía de observar e interpretar el mundo.

     El siguiente paso nos lleva  al mundo de sus inventos.
     Leonardo sintió auténtica fascinación por el agua. Ideó proyectos para encauzar y controlar ríos, y drenar llanuras inundadas y pantanos.  Incluso ideó un traje de buzo y un submarino. Tampoco he de olvidarme del puente que diseñó para un proyecto de ingeniería civil del sultán otomano Beyazid II de Estambul; si bien,  el sultán abandonó este proyecto por considerarlo imposible de realizar.
     No obstante, en el 2001, esta idea fue retomada en Noruega, donde se construyó un puente siguiendo sus ideas. En el 2006, el gobierno turco decidió construir finalmente el puente de Leonardo sobre el Cuerno de Oro. 

Diseño de puente

     El aire tampoco le dejó indiferente. Desde su juventud se sintió fascinado por el vuelo. Llevo a cabo numerosos estudios sobre el vuelo de los pajaros y su anatomía; y a partir de estas observaciones, ideó planeadores, aeroplanos, helicópteros y paracaídas... y estas ideas, bosquejadas en sus cuadernos o códices, han servido de inspiración para otros en siglos posteriores.

Diseño de una máquina voladora

          Y a pesar de ser pacifista, tambien ideó numerosos artilugios para la guerra: cañones, catapultas, carros armados provistos de guadañas, así como puentes colgantes de emergencia o escalas para asediar fortalezas; algunos de los cuales fueron utilizados 500 años después de que él los ideara, como es el caso del carro armado o tanque.

     Leonardo da Vinci fue un observador nato. No sólo se dedicó a observar a animales, sino también quiso dominar la anatomia del cuerpo humano, del que pensaba que era una máquina maravillosa y casi perfecta. Y a pesar de que en esa época estaba prohibido, diseccionó el cuerpo de más de 30 personas, buscando entender la belleza de las proporciones humanas y el funcionamiento de músculos y tendones en movimiento. He de decir que sus dibujos son auténticas obras de arte, repletos de detalles, en los que puedes quedarte embobado durante largos minutos.

    
     Y como no, también encontramos en la exposición su faceta como pintor renacentista. Leonardo, junto a Miguel Angel, Rafael y Tiziano, formó parte del Renacimiento italiano. Se presentan varias obras; si bien las que más llaman la atención, sin ninguna duda, son "La Monna Lisa", "El hombre de Vitruvio" y "La Última Cena"

El Hombre de Vitruvio

     Gran parte de la exposición está dedicada al trabajo de investigación de Pascal Cotte, ingeniero y científico francés, inventor de la cámara espectral. Gracias al uso de esta cámara se han podido desubrir 25 secretos que encerraba la Monna Lisa o Gioconda. Algunos de estos secretos son que uno de los dedos de la mano está sin acabar, que los colores eran mucho más fuertes, no tan amarillentos, o que la columna de la izquierda está empezando a desaparecer.
     Así se puede ver una copia de la Monna Lisa con los colores que debió de tener cuando Leonardo lo pintó. En él se ve como en el paisaje del fondo predomina el azul, que se conseguía con polvo de lapislazuli, un polvo muy caro (tanto en su época como en la nuestra) y que demuestra que Leonardo ocupaba una posición privilegiada.  Del mismo modo se presentan una serie de razones por las que la Monna Lisa carece de pestañas y cejas. Una de ellas es que los pigmentos se han ido perdiendo con el paso del tiempo y por el uso de diversos barnices.
     Y también nos descubren porqué la obra se encuentra en un museo francés, el Louvre, en vez de un italiano, a pesar de que en una ocasión fue robada por un italiano, que intentó venderla a un museo italiano para que así esta obra fuese expuesta en el país donde "nació" Pero la Monna Lisa no sólo ha sufrido un "secuestro", sino que también ha sido agredida con ácido, pintura y una piedra. Toda una aventura para una obra que encierra múltiples misterios.

Monna Lisa O Gioconda

     Respecto a La Última Cena he de decir que he tenido la suerte de disfrutar de la visión de la copia de la Royal Academy of Arts de Londres, realizada por Giampietrino,uno de los discípulos de Leonardo, que ha llegado hace unos días a Madrid. Simplemente maravillosa y magnífica. Este es el primer cuadro en el que se observa cómo sus personajes muestran emociones; algo que hasta ese momento no se había visto en ningún cuadro, pues sus protagonistas eran bastante inexpresivos y solían posar de perfil.

La Última Cena

     Y, finalmente, quiero acabar con una reproducción del caballo concebido para la estatua ecuestre de Francesco Sforza, padre de Ludovico el Moro, Duque de Milán. Durante años Leonardo observó a caballos y dibujó magníficos bocetos, trabajando sobre las proporciones ideales del caballo perfecto. Estaba decidido a crear una escultura tres veces mayor al tamaño real de un caballo. Primero lo realizó en arcilla, alcanzando la obra 7 metros. Su idea era realizarlo en bronce pero la guerra contra los franceses acabó con el sueño, pues todo el metal fue utilizado para construir cañones en un intento de salvar Milán de los franceses. Del mismo esa monumental obra de arcilla fue destruida por los franceses. En 1999, por iniciativa privada, se construyó en Nueva York una estatua, siguiendo los planos de Leonardo, que fue donada a la ciudad de Milán.

Bocetos de Leonardo

Reproducción que nos recibe a la entrada de la exposición

     Se me han quedado muchas cosas en el tintero pero no quiero aburriros. Sólo quiero animaros, si tenéis la oportunidad, de visitar esta exposición. Es magnífica. La obra de Leonardo es tan extensa que no deja de sorprender constantemente. Personalidad compleja, renacentista, que supo ver un adelanto del futuro que estaba por llegar.